如果说 史蒂夫·莱奇 （Steve Reich）有哪部作品是「非听不可的」，Music for 18 Musicians （《为十八位乐手所作的音乐》）一定是我的选择。这或许不止是我一个人的想法：有爱好者甚至为这部作品专门创立了 致敬网站 。
陳宜鍾写给欣传媒（XinMedia）「欣古典」栏目的音乐会文案《重複的幻術—史蒂夫．萊許「給十八個音樂家的音樂」─無‧擊‧限打擊音樂會》 是这样介绍这部作品的：
這首作品是萊許自1965至1976年間的一個總和，無論在織體與技術的變化性，或是音樂表情延展力，都在音樂史，以及作曲家自身的創作史中佔有非常重要的位置。首先，在時間長度上，除了之前的作品「擊鼓」(Drumming)外，一小時不中斷，十八個音樂家齊奏並且沒有指揮的狀況下，對於作品結構的設計，及演奏者都是一個考驗。「顫音鐵琴」(Vibraphone)於是扮演著相當於「指揮」的角色，我們會在每一個段落的結尾，聽到顫音鐵琴所給予的「暗示」，接獲暗示的樂器，則自動「潛入」下一個樂段。又因為全曲沒有樂章之分也沒有休息，而是由十一個和弦組構如建築體的骨架，所形成十一個段落，每一個段落再進行配器及節奏型態的變化，「和聲」在這裡被賦予決定性的強度。萊許曾說，這部分的靈感可回溯至十二世紀的複音音樂技法，首先由定弦律做最初的陳述，在隨後的模進中，我們會聽到每一個音幾乎都可獨立成為一個和聲的中心，對於中世紀複音音樂所展示的「原始的無性別」，萊許受到了深刻的啟發並提取為自己的獨創語言。在「配器」面向上，基本上可以分為兩個模組：一是「小音鎚樂器」如打擊與鋼琴，是整首作品的心臟，負責節奏的前進及脈動；二是萊許說「樂句如人的一口氣長」的，像是弦樂、聲樂，以及單簧管，唱奏出弦律線條的起落與漲退。兩個組別巧妙地將內在不規則性融入表面的一致性裡，並在不同「週期」的清洗與替換之間，帶出律動的新鮮生命力。
在谈及现代作曲音乐（Contemporary Classical Music ）的演绎时，我们似乎很少谈到「版本」。我第一次意识到这个问题，是在连续听了 Thomas Hell 和 Pierre-Laurent Aimard 演奏的 György Ligeti: Études pour piano 之后「顺理成章地」想要将他们的演奏作出比较，但却发现无法探知「谁更好」；我只知道这两版演奏是不同的，而且主观上我更倾向于 Pierre-Laurent Aimard 演奏的版本。这是为数不多让我认识到现代演绎「版本对比」的实例之一。于是，我对这种情况有了如下的猜测：
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现代作曲音乐的演奏和录音相对经典曲目来说是比较少的。我们很少有聆听现场演奏的机会，同时也没有足够多的录音可以拿来进行比较。
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所谓「版本论」是一种文化现象。一个新兴的物种进化和发展出这种极致的「鉴赏力」（Connoisseurship）需要时间积淀 —— 相对应的，就是美学的发展。这或许还是部分缺失的内容。
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由于演奏家、作曲家仍然在世，且作品诞生于录音时代，所以演绎的「标准」很容易就被确立了。
很显然 Steve Reich 的 Music for 18 Musicians 不在「没得比较」之列。自一九七八年在 ECM Records 的首次发行之后，陆续又出版了这部作品的多个录音版本，其中最新的是 Ensemble Signal 去年发行的版本 。相比一九七八年 ECM 版，Ensemble Signal 版本从客观上反映了录音艺术与技术在过去将近三十年间的演进，尽管我认为他们并不是刻意展示这一点。如果说 ECM 版是客观的「标准」，那么这一版是绝对主观的演绎和「再生」 —— 不妨仔细聆听这一版中 Section V 开头的钢琴律动和两分四十七秒之后的马林巴琴旋律，你就应该会懂我在说什么了。
Rough Fields 的 Overdubbed Music for 18 Musicians 也是绝对不能错过的演绎。羸弱的弦乐、喘息的口风琴、声音拾得物（Found Object ）和田野录音（Field Recording ）的混合呈现，代表了 James Birchall 对极简主义声音结构向后现代电子音乐混乱且有序地引渡。
在聆听 Music for 18 Musicians 的时候我喜欢做一件事 —— 跟着打 Clapping Music 的拍子。希望你也能发现这其中的乐趣。